1、感情是動作的信息：編舞首先要弄清的是你要表現人物的什么感情和性格，有經驗的編導往往首先按舞蹈結構的線索設計出人物連綿不斷的心情、意識甚至潛臺詞，循者這個脈絡去雕琢動作。而富有演員經驗的編導，就使自己首先進入角色，讓作品中的人物在自己的身上活起來。在深入角色的基礎上，從自己積累的生活舞蹈素材中物色、提煉出此時此地，此情此景所需要的舞蹈形象來。即把體驗感情作為動作的原動力。 2、動作的典型性：這是成功之要點。典型的舞蹈動作不是綜合的越寬越好，而是個性越強越好——一要有突出的性格，二要有明晰的感情。人有七情：喜怒哀懼愛惡欲......設計舞蹈動作首先要說清楚什么是感情。但人有男女老少，古代和現代，這個民族和那個民族之分，他們表達的感情各異，因此動作還要性格分明。性格包括角色的個性及其民族的風采。 3、舞蹈的“意境”：舞蹈的動作不在“繁”與“簡”，能突出“意境”則靈。舞蹈作品的“意境”是把主題思想轉化為“詩情畫意”的藝術構思，是“情”和“意”與“景”和“境”的統一，是人的理想。“意境”是大局，編舞要從大局著眼，小處（動作）著手，圍繞著動作去考慮動作。 4、舞蹈的主題動作：2人以上幾點著眼，首先設計出符合作品中人物（或擬人化）形象的基礎動作來——也有人稱主題動作——即塑造作品舞蹈形象的代表性動作，這種做法在民間舞蹈中是常見的。各地區的民族民間舞蹈跳起來有千變萬化，但總離不開那么幾個最有代表性的動作。它們成為舞蹈作品中“舞蹈語言”（動作組合）的基礎和反復出現的貫穿動作。 動作組合要編排得生動、流暢、感人。應注意： A、要有對比性的變化：對比有時間（節奏）上的快與慢，強與弱，延長與短暫等；有空間（造型）上的大與小，高與矮，方（線條凌厲，有棱有角）與圓（柔和，圓潤），放（伸）與收（縮），動與靜等。這些對比變化不應是形式上的安排，而是人物內心情感上的促使。如生活中的情緒......舞蹈動作的變化也是由此而來。對比性的動作加大了情緒變化的起伏，使各種情感在相對中顯得更鮮明、突出，所以，能使舞蹈語言更生動。 B、必要的重復、再現：舞蹈和音樂同屬時間性的藝術，舞蹈雖然還只有空間的形象，但不能象“雕塑”那樣永遠靜止在那兒盡人觀賞。為了使舞蹈形象和“意境”留在觀眾心上，重復、再現手法同樣是不可少的。其做法可有多樣： （1）主題動作貫穿始終。 （2）主題動作在不同的情節、段落，不同的節奏下變換出現。 （3）主要的舞蹈組合（段落）反復出現。 （4）開頭和結尾是同樣的舞蹈處理或“意境”的再現。 （5）動作“元素”——在后。 5、構圖：構圖是編舞中一個重要組成因素。構圖包括舞臺調度和畫面。構圖是隨著登場人物的行為和感情發展而設計的。沒什么固定的“程式”。關鍵是要通過隊行圖案的變化把舞臺襯托成作品所需要的空間、境界。 對于舞臺的構圖，我國傳統審美習慣是“均衡”、“勻稱”。“均衡”就是常說的“不要偏臺”。均衡的構圖有兩種，一種是對稱均衡，一種是不對稱的均衡。“勻稱”是指構圖上不要有死角或多一塊、少一截等感覺。 有時也需要不均衡的場面，那是由于強烈的劇情沖突的需要，而造成一種高度驚恐不安的氣氛。 不同的構圖會給觀眾留下不同的直感：圓形使人感覺豐滿；方形顯得嚴肅、整齊（但極少用）；而三角形介于兩者之間，較靈活，易組成多種圖形的小單位；弧形有縱深的感覺；縱隊有逼近、壓迫的感覺；橫排——平和； 斜排——前程遠大。 在舞臺調度上：走直線顯得距離近，路途短；走曲線顯得距離較遠，路途長；走“8”字，距離無限，可以從早走到晚；左右橫過，表示眼前發生的事物；自后向前，可造成由遠而近的感覺；“V”字向前，有沖擊、壓力之感； 多人“龍擺尾”的隊形，能顯示人群由遠而近、由少聚多的情景；幾列直排的縱橫交*，能增加要渲染的某種氣氛——無論是緊張的、火熱的、戰斗式的；由密集到擴散的隊形，能造成一種占領空間的勢頭；大收大放可造成氣勢、 力不可擋的強烈氣氛；忽前、忽后、忽左、忽右的連續調度，給人以動蕩不安、瞬息萬變之感，可表示風浪中行船、心潮起伏的幻覺、激烈的戰斗等等...... 需要說明的是，舞蹈的構圖不能孤立的設計，必須和舞蹈動作組合結合起來，且與服裝、道具也是分不開的。 6、選擇演員排練舞蹈：選擇演員時必須考慮（1）是否能擔負起塑造角色所必須的舞蹈技能和技巧。（2）是否吻合或接近角色的身份，性格和外形，（3）符合節目體裁對演員所要求的特色，如：演員是喜劇型的或是悲劇型的， 是抒情的還是武打型的等等。 確定了演員以后，編導要向演員解剖作品的主題、內容、人物、情節、場次（段落）、圖景，使演員對作品有一個明確的、完整的概念。再進一步分析角色，明確演員的任務后，熟悉舞曲，然后一個個的教動作，一段段的排練（用鋼琴或簡單的樂器伴奏），直到將全舞完成。 A、排練：可先粗排（即搭架子），或試幾個主要段落。 B、讓作曲者進入排練廳看排練。 C、當排練中演員進入角色后，他（她）們的體驗、創造是很寶貴的，要啟發運用演員的智慧去進行再創造。一旦演員有了新的創造（包括動作、表情等），要充分肯定，并根據情況適當修改原設計。 D、根據演員的技術條件，揚長避短，隨時設計出能使演員的技巧有充分的使用之地的舞蹈段落。 7、合樂： 8、舞臺合成：把排練廳中的作品搬上舞臺是“合成”的階段。合成之前，編導必須向舞臺工作的各方面人員——布景、燈光、服飾、道具、音響效果等，介紹作品內容并提出設計要求，最后確定方案。 （1）舞蹈布景要說明作品的時代，創造特定的環境。布景應簡練、明確，一般不用或少用戲劇那樣的實景。 （2）舞臺的燈光要顯示舞蹈的時間早晚，天氣變化，吉祥和厄運的預兆，人物內心的渲染等。 （3）服飾幫助表明人物身份，民族的屬性，服飾色彩還能突出人物性格。要求輕便而合體，美觀而有特色，夸張而不失真。 合成包括：走臺、走光、化妝連排、彩排。 A、走臺：是舞臺上的場、景和舞蹈的結合實驗。讓演員熟悉舞臺面和置景的地位，要從頭至尾把舞蹈的調度、隊形、畫面的位置都固定下來。同時，檢查場景與舞蹈的構圖是否協調。 舞臺平面圖的九個表演區： B、走光：是燈光設計與舞蹈的實驗。要隨著舞蹈內容的展現和演員的調度把燈光固定下來。 C、化妝連排和彩排：都是屬于總合成（包括樂隊、演員、布置、燈光、服裝、化妝、道具、音響效果等）的排練。編導指導化妝連排時，可以隨時停下來，協調舞臺個方面的配合，一段段、一場場的進行，當“合成”完成以后，進行彩排時就要一氣呵成，以便檢查、發現問題，再作進一步的調整。至此，一個舞臺演出的舞蹈作品誕生了。 |
