沈偉和他的畫作 因為自覺繪畫語言尚未成熟，舞蹈家沈偉以前很少對外展示自己畫家的一面。現在，他將于美國首開大型畫展，亦覺得這時對外公示畫家的身份，時機正好。 12月5日，“沈偉—黑白灰”視覺藝術展（Shen Wei In Black, White & Grey）將由邁阿密達德學院藝術與設計博物館（MDC博物館）、MDC Live Arts聯合呈現，并將持續展出至明年2月1日。為配合畫展開幕，12月5日至7日，來自沈偉舞蹈團的12名舞者還將穿梭于畫作與觀眾之間，首演以該系列繪畫為靈感創作的5部舞蹈。
用水墨技法探索抽象畫語言 此前，沈偉也曾在畫廊舉辦過幾次小型展覽，但都不及這次規模大、熱望高。整個展覽占據了博物館整整一層，11幅畫作16至30英尺大小不等，全部采用黑、白、灰三色，盡現了明與暗、躁和靜的對比。畫作表面看上去是壯麗的山水畫，內里卻是極自然的抽象畫。沈偉將自己對中國水墨的理解和西方油畫的探究結合，亦將畫作與舞蹈進行了一次“鏡像”式對話。 據說，不少來自中國的收藏家、仰慕者和記者，都臨時起義爭相來此看展。“今年，我已經準備好了展示自己的畫家身份。”沈偉說，“這對我來說是一個很重要的時間點，也是一個意義重大的項目，大概也是我一生中最美好的一個時刻吧。” “他的畫作呈現偏冷峻，但又飽含了充沛的情感和節奏感。”在MDC博物館執行董事杰里米·米柯萊扎克（Jeremy Mikolajczak）看來，沈偉的畫作與他的編舞風格有異曲同工之處，“有很強的結構性，同時自由，也開放。” 杰里米亦認為此次畫展對拓展沈偉的藝術家身份有著重要意義，“現代藝術與表演越來越呈跨界交融的趨勢，沈偉的繪畫手藝也越來越精進，我們不妨看看他作為畫家的這一面，一點違和感也無。” 為了這次展覽，MDC Live執行董事凱瑟琳·加西亞（Kathryn Garcia）構思已有兩年時間。自2003年邀請沈偉舞蹈團至此表演《春之祭》，凱瑟琳一直對沈偉的編舞之才青睞有加。三年前，她開始與沈偉正式商談此事。“我很喜歡他。”凱瑟琳說，“每次看他的舞蹈，我都會被他的才華震懾。我一點也不奇怪他會是一個視覺藝術家。” 但兩年前被邀辦展時，沈偉一度很猶豫，堅稱說“我還沒準備好。”對于自己的舞蹈語言，沈偉向來有著清醒的認識，但繪畫語言，直至近兩年他才敢說越來越清楚。一路畫過來，沈偉自言曾從不同大師處借鑒技法、認知和世界觀，“模仿性還在，或借鑒性很多。”這些年漸漸認識到自我的個人感官，繪畫技巧比較成熟了才敢亮相。 據說沈偉早年在中國的寫實油畫有些許弗洛伊德的影子，1995年到紐約之后畫風數度逆轉，寫實到超現實，后現代到抽象均有。沈偉說，他現在的油畫，是用水墨畫的技法與線條，探索抽象畫的語言。對抽象和理性的追逐，其實也早已內化到他的舞蹈創作中。 猶豫的另外一個原因，是他不想被“逼”畫畫，不為做展，也不為賣畫，只為自己想做而做。在繪畫上，沈偉沒了舞蹈創作常有的危機感和緊迫感，“完全是我自己的愛好”。 
從未將繪畫和舞蹈分開 成長于中國傳統湘劇世家，那個青蔥少年在被現代舞吸引之前，曾沉浸于嚴謹的中國戲曲、書法、水墨和西方油畫訓練之間。幼時，父母希望他成為畫家的愿望，更甚于編舞家或戲曲演員。19歲，沈偉報考中央美術學院，專業成績第二，卻因英語成績不佳落榜，南下加入廣東舞蹈學校現代舞實驗班，自此將人生路岔向了舞蹈。 從最早期的《太陽照常升起》，到在紐約打響聲名的《聲希》、《天梯》、《春之祭》，直至最新近的《布蘭詩歌》，沈偉涉足的始終是“整體藝術”（Gesamtkunstwerk）的概念：他一手包攬了舞蹈的編排、舞美、服裝和化妝設計，視覺環境與舞蹈的呈現自成一體，構圖和舞臺調度帶畫面感；同時，作為一個視覺藝術家，他又將運動的能量帶到了畫布上。因為戲曲和學畫的經歷，沈偉對人體有熟識的了解。他認為身體多變、有趣，是人自身最值得探討的部分。他熱愛身體曲線、皮膚和骨骼的魅力，也對人體帶動出來的視覺感癡迷，認為轉瞬即逝的人體流動自帶“生命感”。 因而，沈偉習慣讓舞者身沾墨汁或油彩，以“紙上舞蹈”的形式于畫布上作畫。他一直在研究和練習，人體的能量和運動會如何影響畫筆的走勢？當人身體的不同部位，包括腳、手臂、手指與畫布接觸，會有什么不同的反應？作為與畫布接觸的一種媒介，“當人體與畫布觸碰，整個繪畫過程也變得生動起來。” 沈偉在紐約編舞近20年的另一處改變，是讓舞蹈從傳統劇場走向了公共空間，越來越常見于特定的公共場地。2011年，他的實景多媒體行為舞蹈《分與合》在紐約公園大道軍械庫5500平方米的大廳出演，33位裸身舞者身沾顏料，在樹脂玻璃制成的裝置中留下不規則運動痕跡；同年，他的實景行為舞蹈《靜止的移動》在紐約大都會博物館上演，舞者用素凈的布條裹身，裸露上半身，猶如博物館雕塑夜半復活四處游走；去年，他的《Re-Turn》又在意大利一處私人藝術收藏展上出演，滿身油彩的舞者同樣在他操刀設計的裝置上“舞文弄墨”。
“黑白灰”畫展上，這些舞者同樣會在觀眾近距離的“貼身”圍觀中起舞。視覺和舞蹈元素越來越受對方影響，傳統舞臺曝露了局限性，這是沈偉近來頻繁走進博物館等特定場所演出的原因。在他看來，不同空間會對舞者、觀眾帶來完全不同的感染力，他也并不喜歡觀眾進劇場那種“給予”的狀態，而更喜歡觀眾走進博物館選擇“主動”沉浸于一個世界的狀態，“一旦上了臺，我會希望舞蹈和人所有的感官有所連結。” 繪畫對現在的沈偉來說，也越來越似一種“創造性中介”。他在新澤西有個大畫室，離紐約曼哈頓的家挺近，與舞蹈無關的時間里，他會一個人坐 40 分鐘地鐵去畫室，一呆就是18或20個小時，“花那么多時間巡演，被那么多人包圍，我需要一些時間獨處。”繪畫時，沈偉并不讓助理等人進來，完全處于一種非常個人的狀態，“當你進入那種情緒或空間，其實挺美的。你如此孤立，同時又如此自由，在時空穿梭里，有表達，也有想象力。” 你更愿意被人稱為會跳舞的畫家，還是會畫畫的舞蹈家？“我就是一個藝術家。”在今年10月上海戲劇學院的一場講座上，沈偉不帶猶豫地說，他無所謂別人叫他什么，舞蹈，畫畫，什么都無所謂，“人們喜歡把所有東西分門別類，覺得這樣好管理。但藝術家就是做藝術的，偏視覺也好，偏音樂也好，不該為了方便管理而把自己放到筐子里抹殺天性。” 就像不會刻意區分不同文化對創作的影響，沈偉也不并會區別對待表達自我的媒介，正如本次展覽宣傳用語所言——“沒有人分開教我藝術（指舞蹈、繪畫），在我的作品中，我也不會將它們分開。”沈偉說，“我現在可能會做更多展覽，畫更多畫，因為我找到了屬于自己的繪畫語言。但我不會停止跳舞，它長在我的身體里，是我永遠的熱情所在。任何與藝術有關的事務，都會是我的熱情源頭。” (原標題：感謝中央美院沒有錄取沈偉，世間多了一個愛畫畫的舞蹈家) |
