黃翊：用無感情動作表達情感 被林懷民稱為“可怕的孩子”的青年編導黃翊，帶來了《流魚》、《下回見》兩部作品。演出開場的《流魚》創作于2009年，黃翊說，臺北車站的匆匆人群和深海流動的魚群，是《流魚》的創作靈感來源，“我試著想象讓舞者在臺上像沙丁魚一樣擠在一個密閉空間，再看他們流動起來是什么畫面。” 黃翊說，為了模擬出深海的感覺，他讓舞者全體穿上灰色且帶有波紋的服飾，在幽暗空間的燈光映射下，這些衣服能讓觀者看清舞者的流動和層次，“服飾的斑駁感也能創造在水中的感覺” 。 “這部作品的底色是憤怒，且這種憤怒很強大，我試圖從憤怒中轉化出動作，把舞者的身體往外推出去。”黃翊介紹，因此《流魚》的燈光設計從頭至尾都以“昏暗”為主色調，予人咄咄逼人的壓迫感。而為了表現水中的流動性，黃翊讓臺上的12位舞者兩兩組合，為其設計了很多雙人多重旋轉以及復雜托舉動作，使舞者如魚群般在舞臺上旋轉盤繞。但最開始，這些復雜動作大都讓參演者無法理解，“我的身體邏輯和他們的身體邏輯畢竟有差異，而且我要求的舞蹈動作不太符合人體工學，動力使用很復雜。” 黃翊還要求舞者以一種隱蔽、不帶感情的表情和動作去呈獻流動結構，并表現舞者內在的潛藏情感。“就像小孩說大人話、人偶在表現人的感情，兩者之間的沖突會很大，但感情會更充沛。而人在演有感情的事，卻感覺理所當然，沒什么驚喜。” 黃翊舉例說，這種“反”著來做的效果，在他看來更容易讓觀者感動。
鄭宗龍：肌肉質感展現情緒變化 以壓軸姿態出場的《墻》，描述了編導鄭宗龍4年前一段迷惘且踟躕的生活狀態，那時他32歲，不愛跟人說話，也拒絕跟人交流，“說憂郁沒那么嚴重，說青春期也不至于，我把這段時期稱為‘撞墻期’。”鄭宗龍說，如何用舞蹈表現人的內心向外突圍的過程，對他來說是個十分有難度的挑戰。 他將作品前后分成兩個部分，借用舞者不同的身體狀態和服飾變化，來表達墻內與墻外的不同情緒，“人在緊張或焦慮時身體會比較僵硬，我就用肌肉的緊繃感來表現墻內，衣服也大都采用黑色，給人比較大的壓迫感；墻外則是比較舒服、自在的空間，舞者在肌肉上相對放松，使用一些‘圓’等較自在的動作元素，舞者的服飾也逐步向大地色、灰色、水藍色過渡。”鄭宗龍說，《墻》沒有特設男女主角，12位身穿不同顏色衣服的舞者，都是以不同的出場順序及顏色變化，來表現“墻”的突圍與坍塌。 因為很喜歡邁克爾·高登的音樂，鄭宗龍選用了他的《天氣》貫穿全劇，音樂中大量使用急促緊繃的大提琴聲效，讓人喘不過氣，“大提琴就是會有這樣的效果，會一直糾著你，會讓人覺得壓迫和緊張。”鄭宗龍說，自己曾嘗試很理性地分析這段音樂，并在很理性地編舞過程中，一度忘記自己正在使勁突圍的墻以及那些封閉自我的奇怪情緒，“做完這個舞蹈后，我輕松多了。”但除了減壓作用，《墻》并沒多少其他勵志效果，“這段突圍沒有‘自我救贖’那么了不起。”鄭宗龍笑著說。 布拉瑞揚：感受重于理解并大于一切 在伍國柱一出活潑幽默的《坦塔羅斯》演出過后，布拉瑞揚的《出游》上場，更給人舞臺劇般的感覺。有時，布拉瑞揚也會笑著對別人說其實這部作品很老土，“我1999年創作了《出游》，那時的編舞風格是要有一點敘事性，但又不完全是講故事；很容易理解，但又有點抽象。這就是我那個年代的訓練。”布拉瑞揚說，《出游》不像純肢體舞蹈《流魚》那般有意境，需要觀者很多想像力的參與。 要理解《出游》并非那么容易。在巴赫一曲融合非洲元素的古典樂曲《蘭巴倫娜》中，《出游》奏響了一個關于死亡與變形的神秘儀式。一位穿大紅色長裙的年輕女子，在舞臺中央被迫著重復做穿衣和脫衣的動作；四名黑衣侍者不停地在她身邊忙碌盤旋；一位如鬼魅般全身素白的天使，撐著大黑傘，拖著大皮箱，以慢鏡頭的姿態慢步穿越于舞臺。最終，年輕女子精疲力竭地躺倒于地上，四位侍者用一匹白布將她覆蓋，再脫去自己身上的黑色大衣，將白色粉末拋向高空。粉末造成的云霧在舞臺飄灑之時，死亡女子已消失無蹤，最后從天使的箱子中爬行出來，整部作品呈現一種松弛、柔軟的夢游狀態。 布拉瑞揚說，《出游》表現了他曾經做過的一個噩夢，“1999年云門舞集2團剛創團，我也剛從美國回來，編舞經驗缺乏，壓力大，就開始做噩夢。雖然事后不記得具體的夢境細節，但依稀記得夢中的感覺。”布拉瑞揚順手將紐約帶回來的超大行李箱運用于作品中，后來行李箱壞了，他還買了個一模一樣的來代替。布拉瑞揚說，很多人看過《出游》后，反饋給他的答案都跟他想象的不同，但當觀者向他求證自己的答案是否正確時，他總是說：“你的答案就是你的答案，你是最棒的。”就像記者試圖詢問傘和行李箱的寓意，他也是連忙擺手說，“不行，我不能打破大家的想象。”他一貫的想法是，不要刻意去理解分析每個動作，“感受重于理解，并大于一切” 。 |
